Вы можете создавать прекрасные мелодии, отлично сводить и мастерски работать с музыкой, но если вокал не идеален, он может испортить все впечатление! Внимание слушателя всегда сосредоточено на голосе. Это тот элемент, где нельзя ошибиться. И пока вы не освоите его в совершенстве, профессионального звучания не добиться. Запись и сведение вокала не обязательно должны быть сложными — главное, соблюдать дисциплину и методику!
Процесс создания качественного вокала делится на фазу записи и фазу сведения. Если запись — это художественная часть, то сведение — техническая. В этой статье мы сосредоточимся на главном, чтобы предоставить вам всю необходимую информацию для профессиональной записи и сведения голоса.
1) Найдите хорошего вокалиста и выберите подходящий голос для вашей композиции
Это может показаться очевидным, но наличие исполнителя с тембром голоса, подходящим вашему музыкальному стилю, и умение чисто интонировать — основа профессионального результата. Это значительно упростит работу на этапе сведения. Также обратите внимание на акцент: на жюри нашего Talent Pool бывали случаи, когда участники теряли интерес к музыке из-за неподходящего акцента вокалиста. В зависимости от ваших целей и аудитории, акцент исполнителя должен быть принят во внимание.
2) Используйте правильное оборудование для записи вокала
Многие считают, что достаточно купить микрофон, подключить его — и готово. Если бы студийная запись была так проста…
Минимум, что вам понадобится:
- Качественный динамический или конденсаторный микрофон
- Предусилитель, возможно, с фантомным питанием
- Аудиоинтерфейс с качественными аналогово-цифровыми преобразователями
- Программное обеспечение для создания музыки (DAW) для записи вокала.
Сегодня бюджеты на такое оборудование вполне разумны, и существуют очень выгодные «пакетные предложения» для начинающих.
Итак, у вас есть все необходимое для записи. Теперь вам нужно контролировать то, что вы записываете.
3) Изолируйте голос
Наличие хорошего оборудования значительно улучшит качество вашей записи, но это не всё. Вам понадобится как минимум акустическая обработка помещения или подобное устройство (см. изображение ниже):
Идея состоит в том, чтобы превратить всю комнату в вокальную кабину или создать портативную систему для изоляции исходного звука (вашего голоса) от отражений, отскакивающих от стен. Это абсолютно необходимо для создания чистого вокала. В противном случае вы получите тусклый и неясный результат из-за задержек и других акустических аномалий, возникающих в закрытом помещении, которые приводят к странным пикам и провалам в частотном диапазоне.
Я также должен посоветовать изолировать голос от вашего дыхания. Я имею в виду, что при пении или рэпе вы выдыхаете много воздуха, который может уловить микрофон. Вам нужно избежать так называемых взрывных согласных (p и b).
Одно из решений для предотвращения проблем с взрывными согласными — запись вне оси, то есть направляйте голос немного влево или вправо от микрофона, а не прямо на него. Вторая защита от этой проблемы — поп-фильтр. Эти поп-фильтры делают именно то, что они говорят: они отфильтровывают звуки вашего дыхания при пении, рассеивая и ослабляя мощный поток воздуха.
Наконец, убедитесь, что микрофон не улавливает музыку из ваших наушников во время записи. Очень важно приобрести закрытые наушники, предназначенные для студийной записи.
Решение заключается в том, что мягкие амбушюры изолируют звук таким образом, что он достигает только вашего уха, а не микрофона. Кроме того, чашки наушников закрыты и имеют прочную конструкцию. Открытые наушники также используются в студии, особенно для сведения, но они совершенно не подходят для записи, поскольку микрофон будет сильно улавливать музыку помимо голоса исполнителя. Теперь у вас есть ключи для записи изолированного голоса максимально возможного качества, но вам еще нужно знать, как это делать.
4) Гейн-стейджинг — соотношение между выходом записанного голоса и входом сигнала
Именно здесь многие терпят неудачу. Легко начать крутить ручки предусилителя и интерфейса, пока звук не покажется хорошим на компьютере. Так же легко испортить гейн-стейджинг. Итак, вопрос: «Что такое гейн-стейджинг и как его правильно настроить?»
Гейн — это соотношение между выходом сигнала, в данном случае, вашего записанного голоса, и входом сигнала. Это как регулятор громкости, но с максимальным и минимальным диапазоном, прежде чем качество начнет падать. Этот диапазон существует на каждом этапе записи, от микрофона до предусилителя и преобразователей. Вы должны правильно настроить каждый этап, чтобы получить запись профессионального качества.
Основная концепция заключается в полном использовании каждого «бита», доступного в вашем компьютере, не перегружая его. Это как пиксели на вашем телевизоре или мониторе.
Несколько советов по записи голоса с правильным гейном:
Запись со слишком низкой громкостью голоса означает, что вам придется увеличивать громкость вашей дорожки после записи, что может привести к снижению качества вокального трека. Это как если бы вы сохранили очень маленькое изображение, а затем вывели его на метровый телевизор: оно будет выглядеть чрезвычайно размытым и пикселизированным. Но если вы сохраняете изображение в большом размере (как ваш голос с правильной громкостью), вам не придется его растягивать (увеличивать громкость голосовой дорожки) позже.
Настройка гейна очень проста. В вашем программном обеспечении для записи, будь то Garage Band или Pro Tools, вам необходимо отслеживать уровень отправляемого сигнала:
- Во-первых, установите основной гейн на интерфейсе на 0 дБ. Вам не следует увеличивать или уменьшать гейн отсюда.
- Если вы поете с комфортной громкостью, и сигнал слишком сильный (зашкаливает в красную зону и создает пики в вашем ПО) или недостаточно сильный, регулируйте только гейн на канале предусилителя (звуковой карты), который вы используете.
- Регулируйте гейн, пока ваш средний уровень громкости не будет около -18 дБ. Вы будете выходить за эти пределы, но большую часть времени вы будете держаться на -18 дБ. Если ваш средний уровень громкости составляет 0 дБ, это означает, что вы перегружаете звуковую карту на 18 дБ. Цифровая запись на -18 дБ эквивалентна аналоговой записи на 0 дБ.
Теперь вы записываете с максимально возможным качеством вокала. Теперь речь идет не о том, как вы записываете, а о том, что вы записываете. Позвольте мне объяснить…
5) Всегда записывайте «сухой» сигнал во время вокальных дублей
Компрессия — единственный эффект, который влияет на ваш сигнал до того, как он достигнет компьютера. Если вам не нужно компрессировать до этого, то не делайте этого. Однако некоторые певцы бывают недисциплинированными, приближаются к микрофону или естественным образом демонстрируют очень динамичное исполнение. Вам может потребоваться компрессия, чтобы предотвратить клиппирование, или, в худшем случае, лимитер. Что-то настолько легкое, как соотношение 2:1, должно очень помочь.
Всегда записывайте вокал полностью «сухим» (без эффектов) и добавляйте эффекты на этапе сведения.
Причина, по которой вы хотите записывать необработанный сигнал, без каких-либо временных эффектов, таких как реверберация и дилей, заключается в том, что это позволит вам оставить широкие возможности при начале сведения.
Если вы записываете с эффектом на дорожке, вы значительно уменьшаете свои возможности для сведения. Действительно, если вы применяете, например, компрессию, вы также компрессируете реверберацию и дилей; если вы записываете голос с реверберацией, вы не можете выбрать другую реверберацию и так далее…
6) Используйте эффекты обратной связи и мониторинга в наушниках
Цель певца — дать максимально возможное исполнение. Ваша цель как студийного инженера — убедиться, что у певца есть все необходимое для лучшего выступления.
Я говорил вам записывать необработанный сигнал, но это не значит, что вы не можете слушать обработанный сигнал во время записи.
Самое комфортное место для пения — это душ. Люди расслабляются и чувствуют себя хорошо. Причина в реверберации. Вы находитесь в плиточном душе, в маленькой комнате с плиткой или твердой поверхностью и большим зеркалом и т.д. Все твердое и плоские поверхности заставляют ваш голос резонировать во всех направлениях. В результате вы получаете большую, пышную реверберацию, которая маскирует точные детали вашего голоса.
Возможно, вы звучите не очень для соседа, но вы не слышите мелких деталей, которые заставляют вас стесняться, и чувствуете себя так, будто даете концертное выступление. Помогите своему певцу почувствовать это и примените реверберацию к их голосу в наушниках. Это действительно изменит ситуацию.
Вторая вещь, которую вы можете настроить, — это система обратной связи (talkback). Большинство DAW позволяют сделать это довольно легко. Все, что вам нужно, — это хороший недорогой микрофон, который можно установить на вашем столе, чтобы говорить с певцом. Он будет выключен, пока вы не удерживаете клавишу быстрого доступа, после чего вы сможете говорить напрямую с певцом, не заставляя его заходить в аппаратную или даже снимать наушники. Это немного похоже на радионяню. Существуют также аппаратные системы talkback, но на данный момент это совершенно не обязательно.
Эта система связи очень полезна, так как она поддерживает стабильную среду для певца и помогает ему оставаться сосредоточенным, не теряя времени между дублями.
Независимо от того, используете ли вы аппаратное или программное решение для активации возможности отвечать певцу, вам понадобится настольная микрофонная стойка. Лучше всего, если это будет прочная и небольшая стойка, достаточно тяжелая, чтобы не опрокидываться.
7) Запишите больше основных вокальных дублей, чем необходимо
В процессе записи у вас не будет времени анализировать каждый дубль. Лучший подход к этой ситуации — сохранять все предыдущие вокальные дубли: когда выступление певца достигает своего пика, запишите удачную версию, затем запишите несколько дополнительных проходов, как только давление снизится, поскольку певец чувствует, что у него уже есть достаточно хорошее исполнение.
Если ваша первая версия плохая или уничтожена, у вас есть второй вариант для резервного копирования, и это стоило вам только времени. В конечном итоге, если вам это понадобится позже, это сэкономит ваше время.
8) Запишите гармонии и акценты
Даже если вы не уверены, что будете их использовать, запишите гармонии и акцентные фразы. Вы создадите себе варианты для процесса сведения. Исполнитель может сказать, что хочет по-настоящему интимное исполнение, без дублей и гармонических линий. Скажите им: «Хорошо, но давайте будем осторожны и все равно их запишем». Вы никогда не знаете, когда песня может быть переаранжирована и иметь кульминацию в конце, и именно тогда вам пригодятся ваши изначально не запланированные дубли. Таким образом, если позже произойдет что-то непредвиденное, не волнуйтесь, эти непредвиденные дубли позволят вам создавать ремиксы, телевизионные ролики, радиоролики и т.д.
9) Создайте идеальный композитный дубль
Мы будем говорить о основной вокальной дорожке, но сделайте то же самое для гармоний и акцентов, если вы собираетесь их использовать. В противном случае, сохраните их на потом. Именно для этого были сохранены все эти дубли…
Приведенный выше пример взят непосредственно из документации Logic Pro. Все эти дополнительные версии основного дубля, которые вы записали, теперь позволяют вам выбирать конкретные фразы из каждой из них, чтобы создать идеальное исполнение. Ваш лучший дубль на 80% великолепен, но вы знаете, что артист мог бы спеть лучше. К счастью, вы сделали это на других дублях и сохранили их.
Создание композитного дубля похоже на поход в продуктовый магазин, где вы пытаетесь купить дюжину яиц. Вы открываете коробку и обнаруживаете, что одно из них разбито. Поэтому вы заменяете его яйцом из целой коробки, создавая таким образом идеальную дюжину яиц.
Большинство DAW обычно имеют возможность накладывать дорожки друг на друга, а затем трансформировать эту дорожку для создания идеальной дорожки. Большинство даже сделают перекрестное затухание для вас, чтобы все звучало гладко.
На изображении выше вы выбираете фрагменты каждого дубля, и Logic Pro присваивает цветовой код каждому дублю, что позволяет вам визуализировать происхождение каждого элемента композитного дубля. Вы можете затем создать «идеальную версию», если хотите, или просто оставить ее как композитный дубль, если ваш компьютер может справиться с этим после того, как вы начнете добавлять эффекты.
И именно поэтому вы никогда не услышите живое выступление, столь же успешное, как студийная запись. Потому что студийная версия во всех отношениях грандиознее жизни.
10) Автоматизация и нойз-гейт
Вы сделали это! Теперь вы готовы к сведению. Вы записали и создали самый идеальный вокальный дубль, который только можно получить. Но он все еще не звучит как ваш любимый альбом. Не паникуйте, в этом и заключается смысл сведения. Пришло время отполировать и огранить этот бриллиант.
Первое, что вы сделаете, прежде чем добавлять пространственно-временные эффекты, — это очистить динамический аспект ваших записей. Динамика относится к амплитуде, что, в свою очередь, относится к громкости. Вам нужно сбалансировать уровни этих дублей.
Вы заметите, что, даже если исполнение мастерски закончено, некоторые части тише или громче других. Здесь пригодится автоматизация громкости.
Ваша цель здесь — попытаться усреднить громкость по всему дублю. Причина в том, что вы хотите обеспечить согласованность для ваших шин эффектов. «Но разве не это должна делать компрессия?» Если вы не сделаете это до отправки дорожки на компрессор, вы полностью раздавите одни участки, едва затронув другие. Не ленитесь!
На этом этапе вы также можете уменьшить громкость дыхания, создать тишину в начале и в конце дубля и т.д. Вы можете очень тонко поработать скальпелем, если хотите. Или вы можете просто включить нойз-гейт и сэкономить много времени. Возможно, вам придется вернуться даже после нойз-гейта из-за проблем или конкретных шумов, но в целом он решит проблемы за вас.
Нойз-гейт — это тип компрессора. Он работает по следующей логике:
«Если громкость сигнала ниже X децибел, уменьшите ее на X децибел (или полностью отключите)».
Вам нужно будет найти правильный порог (threshold), чтобы не обрезать концы голоса вашего певца, и установить выходное значение на нужную величину. Вам нужно будет выбрать быструю атаку, чтобы нойз-гейт активировался на указанном пороге мгновенно.
11) Создайте звуковой ландшафт с помощью панорамирования при сведении аудио
Теперь, когда у вас есть идеальный дубль с шумоподавлением, и все остальное воспроизводится на согласованных уровнях, вы можете приступить к подготовке сцены для вашего звукового ландшафта.
Мы больше не живем в мире монофонической записи (хотя некоторые радиостанции все еще такие). Мы работаем не только со стереозаписью и воспроизведением, но и объемный звук становится все более распространенным. Даже в стерео у вас есть расширенная, даже абстрактная область, которую нужно заполнить звуком. Ширина — это здорово для слушателя, поэтому приготовьтесь начать использовать панорамирование.
Всегда оставляйте основную вокальную дорожку прямо по центру, без панорамирования.
Конечно, вы услышите несколько песен Beatles и Beach Boys, в которых звукорежиссеры панорамировали как сумасшедшие, но это потому, что конвенции еще не были установлены, и стерео было еще новым. Как и бас-гитара с бочкой, всегда оставляйте основной вокал в центре. Для этого есть сотни причин: прослушивание вне оси, чрезмерное использование одного динамика и т.д. Это практически правило для любой профессиональной записи и сведения.
Обычно аккомпанирующие инструменты можно расположить очень широко, сильно влево и вправо. Исследуйте ширину между 45 и 60 градусами (это максимум) и посмотрите, что вам подходит. Вы захотите, чтобы аккомпанирующие инструменты были немного тише, чем основной вокал. Никогда не позволяйте ничему мешать слушателю четко слышать ваш основной голос.
Для гармоний вы, как правило, захотите держать их довольно близко к основному вокалу, иначе вы рискуете потерять гармонический аспект. Иногда полезно оставить небольшое расстояние между ними (довольно небольшое), поэтому не стесняйтесь экспериментировать. Для акцентных фраз и рэп-ад-либов также оставайтесь близко к основному вокалу. Экстремальное панорамирование на протяжении всей песни может звучать круто, но таким образом вы теряете возможность акцентировать припев, если делаете это постоянно. Вы не ограничены одним сценарием для всей песни. Переключайте его между куплетом и припевом, чтобы дать вашему слушателю что-то приятное для слуха.
Последнее, что стоит упомянуть, это то, что вы не должны увлекаться этим и позволять голосу поглощать все стереополе. Оставьте место для инструментария. Планируйте заранее и имейте в виду своего рода образ конечного продукта.
12) Фаза эквализации (EQ) во время сведения аудио
Здесь вы создаете ясность. Проблема в том, что это голос одного и того же человека, даже если это разные ноты в разных октавах и независимо от того, насколько далеко вы их перемещаете. У вас произойдет столкновение частот, и вам нужно решить эту проблему, вырезая «карманы» в частотном спектре, чтобы каждый элемент вокального исполнения доминировал.
Не поймите меня неправильно, все частоты всех инструментов будут накладываться друг на друга. Посмотрите на изображение ниже, чтобы увидеть пример того, как инструменты доминируют, но делят частотные диапазоны.
Правило эквализации вашего основного вокала состоит в том, что его никогда нельзя компрометировать ради чего-то другого. Самый важный звуковой аспект каждой вокальной песни — это основной вокал. Каждый раз, без вопросов. Это то, на что человеческое ухо настраивается и хочет слышать.
Это не означает, что вы не будете вносить никаких исправлений в свою основную дорожку, потому что вы это обязательно сделаете. Например, вы не будете делать большой вырез, чтобы лучше слышать гитару, но вы будете «резать» гитару, чтобы лучше слышать основной вокал.
Помните, вы никогда не должны сводить вокал в режиме соло (то есть, выключая звук на всех остальных дорожках).
Все, что я говорю в этом разделе, относится к остальной части вашего микса, и ни один микс не идентичен. Нет строгих правил. Пожалуйста, корректируйте значения в соответствии с вашей собственной песней и вашими собственными вкусами.
Спад низких частот (Roll-off):
Единственное, в чем вы можете быть уверены в большинстве миксов, если это не вокальный дуэт, фортепиано или гитара с голосом, это то, что вы будете использовать низкие частоты. Ваш вокал, возможно, не очень заметен в низкочастотных и суббасовых областях частотного спектра, но объем присутствует во всех ваших вокальных и инструментальных дорожках. И все это способствует созданию грязного общего звучания.
Вы можете использовать фильтр высоких частот (или низких срезов), если хотите строгое обрезание, или использовать параметрический эквалайзер для постепенного снижения. На вашем месте я бы привык слышать тонкие изменения с параметрическим эквалайзером. Строгий порог часто заметен и слишком суров.
Это параметрический эквалайзер, который отображает весь диапазон слышимых для человека частот, самые низкие слева. Вы видите, как белая «композитная» линия (комбинация всех ваших настроек эквалайзера) мягко спускается с левой стороны баса? Это спад. Вы обнаружите, что захотите опускать немного агрессивнее, начиная примерно с 125 Гц, чтобы в конечном итоге достичь тишины на 40-60 Гц. Поиграйте с этими значениями, но это хорошая отправная точка. В зависимости от вашего баса и бочки, вы можете поднять все это выше.
Как только вы сделаете это для всего вашего вокала и других инструментов, вы обнаружите, что вещи немедленно станут намного яснее в вашем миксе, особенно для бочки (kick) и баса.
Выявление вредных частот:
Правильный способ найти проблемные частоты, которые появляются в вашем вокальном дубле, — это взять узел в вашем параметрическом эквалайзере и создать тонкий, но радикальный пик от 10 до 15 дБ и провести им справа налево по спектру. Вы услышите странности в своем полном миксе, и с помощью этого метода сможете найти вклад вашего голоса в эту проблему.
Как только вы их найдете, вы захотите их удалить, но никогда не обрезайте их так грубо, как вы их усиливали — это было сделано только для их выявления. Реальный метод уменьшения этих частот должен состоять из небольших срезов на 3-6 децибел с немного более широкой кривой Q. Правило таково: усиливать широко и резать мало, иначе все начнет звучать странно и неестественно.
Вот общее руководство, которому вы можете следовать для поиска этих проблемных зон:
- 100 Гц – 300 Гц: Слишком мало: потеря объема, слишком много: лишает ясности
- 200 Гц – 500 Гц: звучит хорошо, слишком много: заглушено
- 250 Гц – 750 Гц: Слишком много грязного звука
- 600 Гц – 1,1 кГц: слишком много звучит как горн и гнусаво
- 1 кГц – 3 кГц: здесь скрывается разборчивость
- 3 кГц – 6 кГц: присутствие
- 5 кГц – 8 кГц: шипение
- 9 кГц – 15 кГц: искрящийся / кристальный
- 10 кГц – 20 кГц: воздух / дыхание
Помните, что это будет меняться в зависимости от вокального диапазона и октав, в которых работает певец. Особенно с жанром. Вот почему существуют такие широкие диапазоны для поиска плохих частот.
Хороший трюк, чтобы держать основной вокал впереди микса, — это дать ему небольшой подъем в правильной зоне присутствия и в зоне разборчивости. Затем более тонко уменьшить конкурирующие инструменты или бэк-вокал в тех же частотных диапазонах в зависимости от панорамирования.
Мы могли бы говорить об этом весь день, но ничто не заменит время, которое вы тратите на прослушивание и игру с этими частотами. Просто начните с ваших лучших студийных эквалайзеров и делайте то, что звучит хорошо.
Всегда начинайте с голоса в соло, чтобы создать хорошо звучащий голос. Затем переходите к полному миксу и создавайте пространство в частотном спектре для этого «хорошего» голоса.
Все вторичные вокальные дубли:
Как правило, когда речь идет о полных дублях, гармониях, акцентных фразах и т.д., вы можете обрабатывать их более строго. Обрезайте их тонко там, где вы усиливаете основной вокал. Отдалите их, они здесь, чтобы поддерживать основную линию, а не сиять.
Более агрессивно снижайте низкие и высокие частоты на вторичных вокальных дорожках. Вы также можете удалить верхний частотный диапазон, чтобы не перегружать микс. Хитрость заключается в том, чтобы уменьшить общую «присутствие» этих дорожек по сравнению с основным вокалом в миксе, при этом отдавая им приоритет по сравнению с остальной инструментальной частью.
Один из способов помочь вам в этом — агрессивно их сжать. Говоря о компрессии…
13) Компрессия при сведении ваших композиций
Вы очень близки к вокалу профессионального качества, но чего-то не хватает. Действительно, индустрия и слушатели в настоящее время предпочитают очень небольшую вокальную динамику (или музыкальную в целом). То, чего вам не хватает, — это компрессия.
Мы ждали до сих пор, потому что, когда вы увеличиваете и уменьшаете с помощью эквалайзера, вы слегка изменяете громкость своей записи. Ваша цель — контролировать динамику, чтобы вы вносили все изменения громкости до компрессии. Вы восстановите согласованность, о которой мы говорили, прежде чем подавать сигнал на пространственные эффекты.
Этот процесс будет состоять из двух или трех этапов, которые будут полностью зависеть от жанра музыки, с которым вы работаете, голоса певца и выбора параллельной компрессии.
Общая компрессия:
Прежде всего, вы всегда захотите достичь правильного уровня компрессии. У меня нет другого способа провести вас через это упражнение, кроме как сказать вам найти миксы, которые вам нравятся в том жанре, который вы сводите, чтобы получить представление о том, насколько сильно вам нужно «раздавить» голос. Именно это делает компрессия.
Компрессия устанавливает порог (threshold), а затем любая часть голоса, превышающая этот порог, «раздавливается» выбранным вами соотношением (ratio). Скорость, с которой начинается это «раздавливание», называется атакой (attack), и вы можете указать ей немедленно прекратить «раздавливание» или продолжать в течение определенного времени, используя релиз (release).
Это ваши четыре параметра. Некоторые компрессоры позволяют изменять «колено» (knee), но все это в значительной степени зависит от используемого алгоритма компрессии. Некоторые плагины даже имеют различные алгоритмы на выбор, имитирующие старые аппаратные компрессоры. Все они выполняют свою работу.
Для новичков трудно ошибиться, установив максимально быстрые атаку и релиз. Это заставляет вас просто регулировать порог и соотношение. На этом этапе вам нужно экспериментировать. В современном мире не бойтесь доводить соотношение до 5:1 или даже 10:1 для таких жанров, как рэп, рок и поп. Взяв в качестве примера соотношение 5:1, быстрое объяснение состоит в том, что на каждые 5 дБ, превышающие выбранный порог, получается только 1 дБ. Он уменьшает громкость в этом соотношении. Таким образом, если 10 дБ превышают порог, то выйдет только 2 дБ.
Вы понижаете громкие части, чтобы они были ближе к более тихим. Это значительно увеличивает способность понимать сказанное и четко его слышать. Вы видите, почему важно сначала сделать эквализацию, чтобы плохие частоты не становились все громче и громче.
Де-эссер:
Это наполовину эквализация, наполовину компрессия. Плагин де-эссера на самом деле представляет собой параметрический эквалайзер, соединенный с компрессором.
Неприятный шипящий звук возникает, когда микрофон улавливает воздушные импульсы в высокочастотном диапазоне при произнесении определенных слогов. Вы знаете, как иногда, всякий раз, когда звучит звук «С», он становится чрезвычайно мощным? Именно от этого избавляется Де-«С»-сер.
Де-эссер поможет вам: вы будете сканировать сильный подъем в области шипения, пока не найдете проблемные частоты. Затем, и только если эти частоты превышают установленный вами порог, их громкость будет уменьшена на выбранную вами величину. Это влияет только на резкие «С», а не удаляет их эквалайзером на протяжении всего дубля.
Вам не всегда придется это делать. Много раз, с хорошим певцом, хорошим микрофоном, правильным расстоянием записи и правильным углом записи, вы никогда не столкнетесь с этой проблемой. Но если вы это сделаете, де-эссер — ваш друг.
Параллельная компрессия:
Параллельная компрессия — это продвинутая техника, которая позволяет вам делать две вещи: сохранять динамику, контролируя ее, и отправлять более динамичную версию вокала на шину эффектов.
Вы не будете использовать эту технику во многих современных жанрах. Но есть такие жанры, как классика, фолк, акустика и все, что более утонченно, где динамика по-прежнему играет важную роль в исполнении. Задача нелегкая… вы хотите, чтобы исполнение было понятным и стабильным, при этом позволяя певцу и другим инструментам выражать себя посредством динамических манипуляций, таких как более сильное бренчание, более сильное нажатие на клавиши и т.д.
Решением является параллельная компрессия. По сути, вы отправляете две версии вашей записи в два отдельных компрессора и сжимаете только одну, сохраняя другую достаточно брутально динамичной. Затем вы объединяете обе, что служит для увеличения громкости тихих частей, при этом позволяя громким частям существовать в колебаниях. Вы всегда можете сжимать некоторые дубли, но не раздавливайте их полностью, как поп-запись.
Вторая причина заключается в том, что вы можете полностью «раздавить» основной дубль, который появится в миксе, при этом отправляя более естественную версию на шину эффектов. Это означает, что ваши реверберации будут реагировать в соответствии с естественным исполнением, не влияя на разборчивость. Здесь вы умело включаете динамику в эффекты, не присутствуя в основном дубле. Это довольно хитрая штука для некоторых жанров.
14) Временные эффекты: реверберация, дилей и эхо
Мало что можно сказать для описания этих различных эффектов. Если вы не знаете разницы между реверберацией, дилеем и эхом, откройте плагин для каждого и исследуйте, вы быстро поймете.
Я не могу подсказать вам, как их применять. Все основано на ваших художественных выборах и вашем миксе. Но что я могу сделать, так это дать вам два совета по их использованию. Первый совет — размещать эти эффекты на отдельных шинах, отдельно друг от друга и от ваших основных дорожек. Нет причин применять их к каналам микширования ваших основных дорожек. Мало того, что так сложнее контролировать их громкость, так вы еще и «заморозите» свое программное обеспечение, когда ваш процессор будет пытаться вычислить миллион эффектов.
Правильный способ — создать шину (bus), которая является дополнительным каналом микширования, существующим исключительно для группировки основных каналов и управления эффектами. Как только у вас есть шина, вы можете создать посыл (send) с ваших основных каналов.
Происходит следующее: ваш обычный канал микширования, который вы скорректировали и эквализировали, по-прежнему направляется на основной выход. Вы его совсем не меняете. Но что вы делаете, так это создаете дубликат после эффектов и отправляете его на другой вспомогательный канал, называемый шиной.
Для этого есть причина, которая не ограничивается тем, чтобы не слишком нагружать ваш процессор. Предположим, вы нашли идеальную реверберацию, которую хотите применить к каждому инструменту в вашей песне. В реальности это так не работает. Если у вас одновременно 10 ревербераций, вы получите беспорядок. Если вы записываете группу из 5 музыкантов в церкви и хотите уловить реверберацию помещения, вы должны настроить один окружающий микрофон и сделать это с помощью одного микрофона. В реальной жизни есть только одна реверберация. Реверберация — это продукт акустического пространства, а не инструмента.
Поэтому вам нужно создать основную шину реверберации и отправлять на нее все инструменты. С помощью посыла вы можете регулировать громкость «сколько» оригинальной дорожки вы записываете на шину, а затем регулировать основную громкость самого посыла с помощью фейдера. Что еще лучше, так это то, что вы можете затем эквализировать саму шину.
Моя рекомендация по шине реверберации — настроить на ней эквалайзер и сделать большой спад низких и высоких частот, а затем повторить те же вырезы, что и для создания места для основных вокалов. Примените вырез на 700 Гц для низов и 5 кГц для высоких частот. Вы не поверите, какая будет разница. У вас по-прежнему будет кристальная чистота в вашем миксе с пышной реверберацией. Это не должно быть компромиссом.
Вы можете настроить столько шин, сколько хотите, для дилея, эха, флэнжеров и всего, что вы решите использовать.
15) Коррекция высоты тона (Pitch Correction)
Наконец, дополнительный совет, который можно применить в любое время после записи, — это коррекция высоты тона вашего вокала. Вы можете включить Autotune и настроить его параметры, но я не рекомендую это для всех музыкальных жанров. Гораздо лучше использовать такое программное обеспечение, как Melodyne, которое позволяет вам вмешиваться в каждую ноту и применять коррекцию только при необходимости.
Конечно, с Autotune вы можете автоматизировать, когда и где он срабатывает, но с Melodyne вы редактируете дубли деструктивно (что хорошо в этом случае, потому что вы все равно сохраняете оригиналы). Вы не зависите от алгоритма Autotune для получения правильного результата.
Плагины не всегда создают один и тот же конечный продукт при каждом рендеринге, и изменение тона вашего основного вокала — это не тот этап, где вы хотите рисковать.